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寂静的灵动——禹海亮和他的重彩人物画
时间：2010-8-31 14:36:24 点击次数:5288 |
文/蒋文博
禹海亮先生性情粗犷，幽默风趣，尤其酒后，更是妙语连珠，深受朋友们的喜爱。与禹先生初识，大约也是在酒席之上。其人天生皮肤黝黑，他居然常以此来调侃自己是从毛里求斯遣送回中国的铁路工人。能够接受别人调侃的人尚且已不多见了，能随时自我调侃的人更是凤毛麟角。自我调侃需要勇气，更需要乐观和宽容的心境。所以，禹海亮能让人过目难忘。这不仅是因为他那稠密坚硬的大胡子和妙趣横生的谈吐，更重要的是因为他的大度宽容和自由奔放的思维方式。这种品格在他的重彩人物画中得到了清澈的映射。
人品与画品是有直接联系的。人品是价值取向的流露——自己认为有价值的事才去做，反之就会退避三舍。画家在选择创作题材也是如此。禹海亮的家乡在湘西南部的靖州，集居了以苗、侗为主的十余个少数民族，民族文化特别浓郁。节日中，姑娘们头戴银饰，耳系金环，颈戴项链，胸披银花，手戴银镯，光彩夺目。随着舞动，叮叮当当宛如仙乐自天外宫阙飘来。从早先的“家族系列”、“银灰系列”到“苗女系列”，禹海亮的目光曾长久痴迷于质朴的原生态文化中，这或多或少透露出了他内心情感的归宿。
质朴浓郁的民族文化在禹海亮的作品里得到了纯净的表达，《月夜》让人感受到的就是这样一种纯净的震撼：黑黑的山体，深邃的夜空，恣意穿插的树花，突兀的山亭，恬静忧郁的苗家姑娘……一霎间在历史的图腾与现实的空气中凝结，整幅画面都被涂抹上了一层恢诡谲怪、浪漫神奇的色彩。首先，文化表达必须要保证其纯净度。海亮熟知此中真意，在画中从不刻意做作——刻意，人立即就会虚假，画面哪还能有半点真意？其次，他深受神仙思想与巫觋文化之浸润，绘画只是表达自己对这种文化的理解，别无其他。他只是把“淡淡的墨擦在白白的宣纸上”，在心灵震撼与情感共鸣中寻找原初的感觉，将一种种内心冲动变为现实。文化表达已纯净如水，表现技法便无足轻重起来。
因此，在绘画语言上，禹海亮是在不自主地进行着风格创造。如果说作品是画家的诗心映射的话，那么，禹海亮对绘画语言的风格创造也深刻反映了他天真的童心和深切的同情。童心在艺术创作中是具有宝贵价值的。明代李贽曾将“童心”等同于“真心”，又说真正大圣人是“童心未曾失者”。海亮的创作富于童趣，包括在都市题材中，他也是以最纯真的感受来打动人们的心灵。
《惊艳系列》是画家对现代都市生活直抒胸臆地表达，但同时又洋溢着鲜活纯真的童趣，别有一番风韵。此系列中，画家有意识回避了令人激动的色彩，而主要以墨的浓淡干湿来构成画面，对人物也进行朴拙简洁的处理，着意突出了人物妩媚诱人的气质，以及迷惘天真的神情……画家并没有回避性和欲望这个主题。《惊艳之二》和《惊艳之四》里，现代女性置身于酒吧等灯红酒绿的环境，人物被竭力淡化，眼神在游离不定，短的花裙却被重墨强化，加上肉感毕现的格子丝袜，令人遐思无边。《惊艳之三》的沙滩少女以极度富于张力的姿势面对观众，长裙与头发都统一进行了风格化处理，遮掩不住的是她充满活力的青春躯体，和眼神里传来的彷徨与忧郁。性和欲望是文化发展和文明繁衍的原动力，当画家以天真的童心来面对这个主题时，整个世界便变得格外有趣起来。
海亮科班出身，传统笔墨功夫扎实，毕业时恰逢85’美术新潮前后，是追求变形和自我表达的“怀化画家群”的主创成员。1995年结业于天津美术学院国画系研修班后，他的创作思路明晰起来，坚定地选择了重彩人物画这种表达形式。变形这种艺术手法在中国人物画创作经验中早已有之，如明代陈洪绶即是典型的代表。现代中国画坛，自写实水墨一统天下的格局被打破后，人们便纷纷去求变形，一旦有的变形流行，大家便竞相摹仿。禹海亮没有追随大潮，因为他意识到艺术手法于艺术思想的实质意义。他仰慕大唐纵逸豪放的气魄，也为千年壁画中的厚重沧桑深深打动。他充分发挥重彩画的语言特性，利用矿物质颜料和生宣纸及水墨的艺术效果，进行大胆的艺术重构和审美创造。他的变形紧密附着于文化品位之上，探索“简朴”造型和纯净淳厚的视觉语言。
纯净的变形风格，在《苗女》中体现得比较充分。首先是平面化的处理，主要采用单线平涂，放弃了物理空间的追求。其次，注重外轮廓和外形的变化，淡化了内轮廓的刻画。再次，弱化了面部表情描绘，仅以简约的线条勾勒。最后，画家极力减少了人物的动态细节和与生俱来的挑逗意味，使苗家少女们处在一种圣洁无欲的状态，并与环境紧密融合，若隐若现，画面正如徐徐流淌的音乐，徜徉着无穷的诗情！矿物颜料的可反复性使营造幽深的意境成为可能，对光的驾驭和创造能力也体现了画家的艺术素养。在《苗女》中，少女们庄严肃穆的排列，圣洁的柔光为画面增添了神秘的气氛。《清泉系列》里，画面阴柔奇幻的用光，幽幽暗暗恍恍惚惚，跳跃的光影在凝重的背景和朴拙的人物之间忽明忽暗，时而绚丽无比，时而深沉含蓄，俨然吟唱着诗一般的节奏，却浑然天成。
海亮秉持传统，他秉持传统的精义即在于“变”。因为每一项传统都结合了当时的文化，而任何时代的文化又是不可以重复的。随时代而变，是秉持传统的唯一方式。在绘画中，他对形的描绘，对色的处理，对墨的理解，对笔的把握，无不师古法而又不泥古法。他清醒地知道，传情造境才是绘画的目的，至于用了什么方法却已无关紧要了。就此而言，他的技法的包容性就变得非常之大了。
艺术从来都是向往自由的，说得彻底一点，即人在本质上也是极度渴望自由的。人自由地生，却不自由地死——死是任何人都不可以周旋的选择。于是，人在这场短暂的戏剧中，无论悲欢离合，总是弥漫着一丝淡淡的忧郁。这种淡淡的忧郁却往往能直指人心，让人感动。禹海亮敏锐地感悟到了这种情愫，并将其定为创作的心理基调，画面便开始寂静下来。
寂静的画面是最能传达情感的。当画家用婴儿般天真的眼神去打量他曾经最熟悉的人们和生活时，就会不经意地流露出同情和关切的气息来。在人物刻画中，无形中就充斥着宏大的母性之美——这恰是美的极致，它完全涵盖了生和死的淡淡忧郁，让人的心灵沐浴在春的丝雨里，醉意朦胧。
寂静是画的格调，能去除许多浮燥和喧哗，却并不意味着失去灵动。在寂静之中，反而更能纯粹地表达画家灵动的才情。水静犹明，而况精神！其明更可知。
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